jueves, 1 de diciembre de 2016

Reseña de La Llegada (Arrival)

La Llegada Poster
Director: Denis Villeneuve
Actores: Amy Adams, Jeremy Renner, Forest Whitaker
Duración: 116 minutos
País: Estados Unidos
Año: 2016

¿Y si?

¿Y si supieran? si supieran de algún modo, antes de conocerlo, que el amor de su vida, la persona que cambiará su existencia, se irá sin importar lo que hagan, ¿de todos modos la conocerían? ¿Tomarían el riesgo? Destino. Puedo cambiar ese destino si lo conozco, ¿no? ¿Por qué motivo de todos modos lo aceptaría sin dudarlo? Por la fuerza imparable del cariño increíble, verdadero, honesto, esperado, abrumador, omnipotente y eterno. ¡De eso se trata!

¿O no?

Tal vez es sobre los fundamentos de la civilización: el lenguaje, la ciencia. ¿Cuál creen que sea realmente? Yo escribo y tengo mi opinión. Las letras que pongo; los ojos que las entienden. Me comunico. No pasaríamos a nada sin ellas. Pero, ¿acaso no fue necesario el cincel y la piedra para ponerlas y después de eso el papiro, la tinta, la imprenta y, aquí mismo, la computadora y el internet?

¡Ojo!

También está el tiempo. Portentosamente. Pasado, presente o futuro. ¿En dónde estoy? Las apariencias engañan. A propósito. Eso está medido. En una de las formas más inteligentes que jamás he visto. Está Amy Adams como protagonista en una actuación para la historia. Hal no tuvo a un compañero así de bueno. Lingüista de precisión matemática. Humana. Estrella. Bienhechora ante acontecimientos más grandes e increíbles que ella. El más valeroso superhéroe: Madre. Tenemos a un director que hizo una obra impecable. Un científico del arte. Exacto. Tiene un filme de un estilo preciso, de un ensamblaje admirable. Con encuadres geométricos y reminiscentes; momentos que deben de estar después de otros, en ningún otro lado; reparto impoluto; ritmos necesarios; fotografía clara, de tono adecuado; una linda banda sonora usada moderadamente en momentos clave y con soberbias pistas que dejan ver el final de la historia a través de toda la obra. Hay una edición que si fuese menos que perfecta acabaría con todo. Lo logra. Sostiene al edificio de las pretensiones.

La Llegada Amy Adams

Sé verla al revés

La maravilla se basa en un guión digno de estudio. Adaptada de una historia de Ted Chiang llamada "Story of Your Life", recalco sus profundos temas humanos y la forma en que maneja el tiempo narrativo. Ahora resalto que aborda la necesidad de una civilización unida y que parece que llega a la meta que casi nunca nadie alcanza: hace que cada una de sus escenas parezca indispensable. Un rompecabezas de piezas necesarias adornado con diálogos bellos e inteligentes: "Solía pensar que este era el inicio de tu historia", "vuelve a mi", "recuerdo partes en el medio", "mamá y papá hablan con los monstruos", "la memoria es una cosa extraña", "HAGAMOS UN BEBÉ".

¡Aviva!

Aaa-viiiii-vaaaaaaa. Esto aviva la llama del arte. Sorprende al ver que es posible lograr historias que hacen uso de palíndromos donde "ya no crees en historias con principios o finales" unidas a teorías conceptualizadoras de la realidad estilo Sapir-Whorf junto a propósitos extraterrestres futuros ligados al alma y corazón sin problema. Ellos llegan, jamás se irán de mi lado.

WOW

10/10


jueves, 24 de noviembre de 2016

Reseña de Doctor Strange: Hechicero Supremo (Doctor Strange)

Doctor Strange Teaser Poster Español
Director: Scott Derrickson
Actores: Benedict Cumberbatch, Tilda Swinton, Mads Mikkelsen, Chiwetel Ejiofor
Duración: 115 minutos
País: Estados Unidos
Año: 2016

"Enséñame". Eso le pide el doctor Steven Strange a su ancestral maestra; eso es lo que yo también le pedía al Hechicero Supremo. Que me mostrara una nueva dirección y un avance en el universo cinematógrafico Marvel. No lo hizo. Lo lamentable es que esta era tal vez la mayor oportunidad de lograrlo. El personaje principal daba para ello. 

Un personaje poco conocido para el público no informado de los cómics. Uno que tiene poderes basados en la magia, no en la ciencia (como Iron-Man, Hulk o el Capitán América), y que por lo mismo da entrada a un mundo más extraño y del que va a ser interesante conocer la reacción del auditorio no iniciado. Strange es un neurocirujano de una justificada y gran arrogancia que sufre un accidente que le impide seguir con su profesión. De algún modo se entera de un tratamiento en Katmandú que le regresará su antiguo estilo de vida, pero en vez de eso se encuentra con El Ancestral, una mujer mística que le enseña los poderes de la magia y otros universos y realidades. El enemigo (inicial) es Kaecilius, un antiguo exalumno de la sabia que busca contactar a un ser aún más poderoso.

Gracias a lo anterior, yo diría que hasta aproximadamente la mitad, la película va muy bien. En especial por la profundidad que da El Ancestral, un papel perfectamente dado a Tilda Swinton, y porque el doctor también está muy bien llevado a través de Benedict Cumberbatch. Ellos dos hacen que a diferencia de varias películas de superhéroes aquí haya, aunque pequeñas, discusiones cerebrales. La ciencia contra "lo desconocido", los límites de la medicina, la altanería moderna sobre las antiguas sabidurías, atisbos hacia lo oculto e incluso reflexiones sobre la muerte. ¿Qué pasa después? El sueño se colapsa.

Doctor Strange Estudiando

¿Acaso Marvel tiene miedo de ser serio? ¿No hay que confundir a los niños? ¿Tenía temor de molestar a los chinos en siguientes filmes con estos individuos? (originalmente el maestro tiene reminiscencias al Tibet y tuvieron que cambiar eso) Espoiler adelante. Lo digo porque es una pena que deba de matar al personaje de Swinton. Sería casi como el Yoda de su universo y sencillamente no lo deja existir. Sin ella ya no hay ideas ni aprendizaje. De hecho al final del largometraje Steven no ha aprendido realmente nada sobre él mismo. Sigue siendo un arrogante que tiene la razón todo el tiempo que hace lo que quiere sin consecuencias. Se le advierte que no juegue con el tiempo. Y eso es lo que hace. ¿Qué importa? No pasa nada hombre. Además lo hace para subyugar a un ser supermegamaligno. El doctor puede hacer eso aunque no lleve años practicando y haciéndose fuerte.

¿Ese villano que parecía interesante al principio? No. Tampoco rifa. Resulta que ni siquiera es la principal amenaza, que es derrotado fácilmente y que está ahí porque... pus porque sí... es un estorbo a modo, no alguien que odie y complemente a nuestro héroe. Pensándolo bien, Kaecilius ni siquiera va contra el protagonista, va contra la maestra. ¿El tono más o menos adulto? También se va. Tiene que aparecer un personaje cómico. En esta ocasión es una capa voladora (sí, una capa de tela) y ella sola puede con los secuaces y es bien chistosa. ¡Oh! Y, ¿por qué no antes de que muera la maga ponemos una pelea entre espíritus que hubiese quedado muy bien en un filme de Los Cazafantasmas?

Marvel sencillamente parece no querer (o poder) poner otra cosa que simple entretenimiento. Aún así, esa palabra es la clave. Porque Dr. S es divertida. El excelente reparto, la buena fotografía, la edición, el vestuario, la ambientación, ciertos diálogos y sobre todo, los magníficos efectos especiales, hacen un filme entretenido. Visualmente memorable. Probablemente el más imaginativo y agradable que ha hecho la casa que Stan Lee construyó.

Si ves esto, no queda la impresión de querer regresar el tiempo para no haberla visto. Es buena. Pero no es mágica. Y pudo serlo.

6.5/10




viernes, 4 de noviembre de 2016

Reseña de Ouija: El Origen del Mal (Ouija: Origin of Evil)

Ouija El Origen del Mal Poster
Director: Mike Flanagan
Actores: Lulu Wilson, Elizabeth Reaser, Annalise Basso, Henry Thomas
Duración: 99 minutos
País: Estados Unidos
Año: 2016

Sólo un médium mediante la ayuda del otro mundo podría haber vislumbrado que una poco esperada precuela de una mala película de terror (Ouija, 2014) daría una grata sorpresa de la mano de un fino director, tres mujeres encantadoras y sombras tenebrosas. Es más, es mejor ignorar la obra primigenia y mejor concentrarse en este nuevo capítulo, que además, se entiende completamente sin necesidad de su antecesor, ¿por qué? Porque resultó un muy agradable filme de terror. Yo diría que incluso uno memorable.

Varias cosas lo hacen distinto a otros de su género y tal vez por lo mismo: a muchos no les podría gustar. Y es que es en la convención esperada por la que en general el público va a ver este tipo de obras donde se siente más distinta, esto es: en los sustos. No es que no tenga uno que otro sobresalto tempranero, es que realmente se toma su tiempo para construir lo más horripilante y esto lo deja verdaderamente hasta el último. No le obsesiona. Así que varios minutos no hay nada "feo" y si quieren ver un montón de sangre y locura desatada y sangre y demonios liberados y sangre y muñecos malditos y sangre y tortura duradera y sangre y así. Pues nel. Acá no hay.

Ouija El Origen del Mal - Ven

Está una niñita con pocos amigos a la que molestan en la escuela que tiene la esperanza de poder hablar con su padre muerto, una madre que debe encontrar la forma de obtener suficiente dinero para pagar la hipoteca y mantener a sus hijas, y una adolescente que quiere sentir el amor junto a un chico. ¡Awww! (^__^) ¿Cuántos demonios aparecen junto a intentos de desarrollo de personaje? No muchos. Todavía mejor, el miedo aparece por culpa de decisiones de los protagonistas y estos así lo hicieron orillados por su desgracia personal y sus errores y omisiones son plausibles y previamente justificados. Sin pasar por alto que Lulu Wilson, junto a esa conocida mirada de niña tranquila pero perturbada, interpreta muy bien al pequeño monstruo, y que está bien acompañada de Elizabeth Reaser y Annalise Basso. Ellas son inocentes, culpables o víctimas alteradas.

No las deja solas una linda fotografía de tonos dorados o de excelentes fondos oscuros en encuadres muy bien pensados, una maravillosa ambientación con las que un filme mexicano sueña (la historia transcurre en 1967), guiños a otras películas de terror (El Exorcista, Poltergeist o la primera Ouija, por ejemplo), escenas que se dan el lujo de al mismo tiempo ser de suspenso y luego cómicas, un inteligente manejo de locaciones y claro está, uno que otro salto de sus visores en la butaca. ¿Pero son suficientes? ¿Dan el pavor que esperan los jóvenes? No tengo esa certeza.

Al final intenta no dejar lugar a dudas y da la muerte, la violencia y la macabra historia del espíritu chocarrero. No gana mucho con ello. Tampoco pierde inexorablemente. Mejor, yo hubiera querido que esa familia saliera vencedora. En ese sentimiento está el encanto.

8.5/10



miércoles, 26 de octubre de 2016

Reseña de Oasis: Supersonic (Supersonic)

Oasis Supersonic Poster
Director: Mat Whitecross
Actores: Noel Gallagher, Liam Gallagher, Paul Arthurs, Alan McGee
Duración: 122 minutos
País: Reino Unido
Año: 2016

"Quiero hablar esta noche
Hasta la luz de la mañana"

Sobre cuan supersónica puede ser una pared maravillosa en una supernova de champaña. Sobre cigarros y alcohol de una estrella de rock n' roll. Sobre la grandiosa oportunidad que brinda la música para todos. Incluso si eres un chico de los suburbios que tuvo un mal padre. ¿Sabes a lo que me refiero? Permanece conmigo.

La historia es verdadera. La presenta Mat Whitecross y la cuentan los hermanos Gallagher. Es difícil de creer que ya pasaron veinte años de eso. Es sobre el ascenso vertiginoso de una banda nacida en Manchester, Inglaterra. Se llaman Oasis. Y tan sólo les tomó tres años y dos discos para liderar un concierto frente a 250 mil personas.

Una aventura muy interesante de ver. No importa que nunca hayan oído hablar de ellos (Shame on you!). Es un documental musical de parte de los productores ganadores del Oscar en la categoría homónima del año pasado. Tiene un gran estilo, edición y, primordialmente, protagonistas. Los dos líderes de la banda tienen toda la seguridad y descaro del mundo y las interacciones entre ellos son bastante divertidas. Eso nace de un dato: ellos son hermanos. De esos que se aman y se odian, de esos que se pelean a cada rato. Las declaraciones que daban a la prensa también son sobresalientes por lo atrevidas, controversiales y para mí, de nuevo, divertidas. No tenían empacho en decir algo así como: "somos la mejor banda del mundo" (nada más) o "tomar drogas es como tomar té". Mmm, tal vez tanta desfachatez no sea del agrado de todo el mundo pero, ¿un rock star puede ser realmente humilde? Ellos sostienen que una banda puede ser muy buena pero que si le falta controversia o actitud, entonces no son tan buenos. Puede ser. Puede ser...

Oasis Maybe I just want to fly

No todo es adulación o altanería. El doc se sumerge en lo desastroso que resultó el uso de drogas en la primera gira estadounidense y la crisis resultante de Noel, en los problemas en que se metían con los medios de comunicación o en la difícil relación que tuvieron con su padre abusivo. Asimismo, se plantea, sin subrayar, que tal vez la agrupación debió de desintegrarse después de su concierto multitudinario. Lamentablemente no explican el por qué, sólo lo dan a entender y dejan muchos años posteriores de lado (se desintegraron en el 2009).

¿Cuál es la historia? La de la gloria que les llegó tan rápidamente. Está la anécdota digna de leyendas de cómo los firmó el representante de la disquera, está una pelea que canceló una esperada presentación, están los mejores discos consecutivos que produjo Inglaterra en la década de los noventas o esas canciones inolvidables. Está la energía y la fama que todavía solamente el rock parece dar. La crónica entrevista a los miembros de la banda, a la familia o a los manejadores. Todos suenan honestos y no parecen nunca querer ser políticamente correctos (¡sería tan falso en este lugar!). Se muestran esos primeros ensayos, llamadas telefónicas muy íntimas, fotos o acertadas animaciones. Material que ayuda a conocer mejor a esas personalidades tan egocéntricas (aunque tal vez se les respete demasiado) y resulta una delicia si eres uno de sus seguidores.

Los productores agregan otro gran documental a su lista. Los n00bs se pueden convertir en pros. Los fanáticos tienen para recordar esos maravillosos primeros años. Los intérpretes viven por siempre.

9.0/10


miércoles, 19 de octubre de 2016

Reseña de Horizonte Profundo (Deepwater Horizon)

Poster Horizonte Profundo
Director: Peter Berg
Actores: Mark Wahlberg; Kurt Russell; John Malkovich; Gina Rodriguez
Duración: 107 minutos
País: Estados Unidos
Año: 2016

Un monstruo que no pudo ser domado se libera con estruendosos y placenteros gruñidos provenientes a través del océano, debajo de la butaca y encima de la cabeza en este relato basado en una cosa muy mala que resulta en algo bastante bueno.

El filme cuenta las horas inmediatas que precedieron y siguieron al desastre ambiental de la plataforma petrolera Deepwater Horizon el 20 de abril del 2010 en la costa del Golfo de México. El peor vertedero de petróleo de la historia. Basada en un artículo del New York Times, la historia da luz de esas malas decisiones que provocaron el accidente, qué lo ocasionó y las vidas que se perdieron; así que hay una sensación de verosimilitud que ayuda mucho al relato y deja cierto aprendizaje de la industria del crudo. Aunque no piensen que esto es una lección de historia o un documental. Es una película de acción. Y por lo tanto, tal vez a ciertos espíritus moleste el hecho de que no lidia con las terribles repercusiones que causó al planeta. Yo creo que eso es para contar en otra ocasión. Lo que está, está realmente muy bien puesto.

Promo Deepwater Horizon

Son 107 minutos que van de menos a más y que, literalmente, se elevan de manera explosiva. Es un ritmo muy agradable que pocas veces se logra. Afortunadamente, es apenas uno de varios aspectos positivos. Ahí están también esas pequeñas señales de que algo muy malo va a pasar, una ambientación impecable, diálogos cuidados, la forma en que se introduce el tema mediante una astuta escena familiar, un excelente elenco, buenas actuaciones y un diseño sonoro que me encantó. El petróleo ruge a través de la tierra antes de ocasionar problemas y cuando sube y hace estallar todo: la sala de cine vibra. Por varios minutos y de manera justificada (¡no se pierdan la experiencia de verla una sala con grandes bocinas!). Tal vez la una única queja sería que a veces el director pone muy cerca la cámara de los actores y se pierde la oportunidad de apreciar la acción y el escenario.

Quienes dieron completa seguridad mediante su trabajo fueron los protagonistas. Mark Wahlberg es un sólido padre de familia, un técnico que compone cualquier desperfecto en la plataforma que muestra dominio de su mundo mediante la forma en la que habla y un héroe que salta al agua en llamas cuando debe hacerlo. Kurt Russell ("Mr. Jimmy") es el duro y confiable administrador de la plataforma a quien se le debería haber hecho caso que no se detiene ni cuando está desnudo, ciego y con una herida en el pie. Y John Malkovich es el arrogante y sabroso villano enviado directamente desde British Petroleum que se regodea en su seguridad de que no va a pasar nada malo.

Hollywood se ha aprovechado de nuevo de una tragedia. No cabe duda de que saben hacerlo muy bien.

8.5/10


domingo, 16 de octubre de 2016

Reseña de La Asesina (Nie yin niang)

Poster 1 La Asesina (2015)
Director: Hsiao-Hsien Hou
Actores: Qi Shu; Chen Chang
Duración: 105 minutos
País: Taiwan
Año: 2015

"El camino de la espada es despiadado", dice la maestra de la protagonista en este hermoso filme ganador del premio a Mejor Director en el Festival de Cannes 2015. No obstante, quien parece no coincidir con esas palabras es ni más ni menos que el realizador del filme.

Hsiao-Hsien Hou (¿Triple H?) toma al género de las artes marciales para hacer algo muy interesante y controversial. Deja a las peleas ya no en un segundo plano, tal vez en un tercero o hasta en un cuarto, ¿por qué? Porque parece más interesado en, primero, la belleza de las imágenes y después, en exponer o sugerir un conflicto interno o un avance de la trama mediante una forma contemplativa y sonora y no a través de batallas de las que Bruce Lee o Neo estarían orgullosos. No. Aquí no hay ninguna contienda memorable. Lamentablemente, ni siquiera una divertida.

Esta asesina cuando mata o riñe se preocupa de hacerlo con sigilo y rapidez. Nada de "mátalos suavemente". Nel. Una cuchillada certera y adiós. Supongo que ese estilo en la vida real sería el más adecuado para un oficio como ese pero en el cine eso provoca secuencias poco excitantes. Hay que agregar que muchas veces hay escenas largas donde los actores no hacen mucho pero donde hablan y hablan y que varias veces la cámara permanece fija en encuadres prolongados.

Poster 2 La Asesina (2015)

Lo sorprendente es que eso no es difícil de ver (sí de aguantar). No lo es porque hay belleza en la pantalla. De todos lados. De Qi Shu y su piel perfecta, del prólogo en blanco y negro que nos lleva a un monasterio en una montaña, en los trajes de los guardias del gobernador de Weibo, en las concubinas y en la esposa, en un mágico hechizo que casi quema a una mujer, en el contraste de la corte con la sencillez rural, en un acantilado que se pierde paulatinamente en la niebla, a través de las telas que acompañan el lujo en la palaciega alcoba o en una melodía de un instrumento musical antiguo y en el canto de las aves.

Muy hermoso... aunque algo cansado de ver por ese estilo lento y porque la trama se desenvuelve de forma paulatina principalmente a través de diálogos. Una situación que se cuenta brevemente pero no por eso simple. Nuestra protagonista debe matar al jefe de un territorio del que el emperador desconfía. Ese gobernador es su primo y en el pasado fue mucho más que eso.

¿Qué decidió hacer ella? Me pareció que el desarrollo de este conflicto emocional se desenvolvía a través de pistas auditivas y visuales mientras transcurría el filme. ¿Fue realmente que el director quiso plasmar así eso o simplemente yo quise encontrar algo donde no había? Tal parece que el camino de la espada no es nada más despiadado, también es complejo y elegante.

8.0/10


miércoles, 5 de octubre de 2016

Reseña de Cuentos de Tokio (Tôkyô monogatari)

Poster Cuentos de Tokio
Director: Yasujirô Ozu
Actores: Chishû Ryû, Chieko Higashiyama, Setsuko Hara
Duración: 136 minutos
País: Japón
Año: 1953

¿No es la vida...?

¿...como se retrata en esta película? ¿Con hijos muy ocupados en sus trabajos para atender a sus viejos padres, viajes que no resultan tan placenteros como esperábamos, un ritmo vertiginoso que pronto desplaza a las viejas costumbres, futuros prometedores incumplidos o parientes que parecen más interesados en la ropa heredada que dejaron los muertos más que en los muertos mismos?

Esa impresión, me parece, solamente la logra el arte mayúsculo. Uno, al mismo tiempo, universal y personal, que además, no caduca. Mi ignorancia me había ocultado la obra de Yasujirô Ozu hasta que afortunadamente en un ciclo de cine japonés reciente me topé con ella. Sin duda que su ritmo es muy distinto al cine contemporáneo e incluso puede bordear en algo "aburrido" (sí, con tal vez demasiada insolencia debo decirlo), pero eso no me importó porque mientras la veía y una vez que acabé de hacerlo, tenía una sensación que casi nunca alcanzo mediante el séptimo arte. Aquí hay belleza. Humanidad. Melancolía. Resignación. Honestidad. Arte. Además de increíble maestría en los ejecutantes.

Ozu tiene un estilo propio y eso es patente a los pocos minutos del filme. Primero que nada, su cámara es fija, prácticamente nunca se mueve y en ella encuadra imágenes con una organización meticulosa y formas geométricas fácilmente reconocibles que dotan a la composición de una profundidad pocas veces vista. Crea patrones o estructuras. Incluso encuadra a los actores usando la escenografía. Parece obsesivo en su diseño y eso es algo que me gustó mucho. Las cosas están ahí por un motivo. También suele contrastar dos temas de manera visual muy tersamente y la manera en que retrata a las personas hablando es muy inusual: las pone exactamente de frente. En algún lado leí que eso lo hacía para que pareciera que se están confesando. Lo logra. Es una conexión muy directa, casi incómoda. Otra característica distintiva (nótese que ya van varias y que muchos directores nunca desarrollan un estilo reconocible) es que a veces coloca la cámara a la altura del suelo (a esta técnica se le llama tatami shot). Ella y los demás encuadres, me dieron la sensación de cercanía, contemplación y reflexividad (¿nostalgia?), porque además, varias veces pone una escena sin personas y cuando estas sí salen, primero vemos la escenografía y después aparecen los personajes y a veces estos se van y la toma sigue unos segundos más mostrando el lugar.

Cuentos de Tokio Funeral

Otros que son memorables son Chishû Ryû y Setsuko Hara. El primero interpreta a un abuelo (impresionante el dato de que hizo el papel cuando tenía menos de 50 años) que acepta que la vida simplemente pasa, que debe quedar solo y que tiene la dicha de que "no le fue tan mal" (aunque no tan bien como los sueños demandan). Y la segunda interpreta a una nuera que trata mejor a sus suegros que los hijos de estos. Una persona adorable y admirable (¿por qué no hay más gente como ella?).

Bueno pero a todo esto, ¿cuál es la historia? No la había mencionado porque es la parte que menos atención recibe y no es "tan complicada" como una narración actual exigiría de un filme de más de dos horas. Digamos que es sobre unos padres que viven en la provincia japonesa que visitan a sus hijos en Tokio, sus interacciones familiares y una sorpresiva muerte. Es "sencilla" pero muestra magistralmente las complicadas relaciones humanas y un montón de temas y cosas que "así pasan" (¿lamentablemente?).

¿No es la vida decepcionante? pregunta la pequeña Kyoko a la angelical Noriko en uno de los muchos inolvidables momentos. No. Con cosas como Cuentos de Tokio, no lo es.

10/10



miércoles, 24 de agosto de 2016

Reseña de Taxi Teherán (Taxi)

Jafar Panahi's Taxi Poster
Director: Jafar Panahi
Actor: Jafar Panahi
Duración: 82 minutos
País: Irán
Año: 2015

Hay viajes extrañamente inolvidables y enriquecedores. Este es uno de esos. Fue moderadamente entretenido, visualmente pobre, auditivamente monótono, sin secuencias con música que aceleraran los latidos, al parecer fotografiado con una cámara de celular chafa, sin trama evidente, lleno de carencias y de duda: ¿Ante que me enfrento? ¿Vale la pena esto? ¿Por qué?

Y ahí, en esa pregunta, está la respuesta. Porque estamos frente a la obra de un autor que tiene prohibido hacer su trabajo y aún así, desafía a su gobierno y cuestiona su mundo. Y tal vez lo cambie.

Jafar Panahi es un director iraní al que le fue prohibido hacer películas. En ese país no se puede hablar de un montón de cosas y hay una censura con mayúsculas. No tonterías. Estuvo en la cárcel por hacer filmes y no debió hacer esto. Para burlar la prohibición, se hace pasar por un conductor de taxi y sube a distintos pasajeros para hablar de temas controversiales: ladrones, la pena de muerte a la que algunos se enfrentan, el entretenimiento occidental y el papel de la piratería, supersticiones locales, presos políticos y defensores de derechos humanos, viudas indefensas, pobres, sentimientos de buenos samaritanos que sufrieron robos y hasta las prohibiciones a las que se enfrentan todos los cineastas de su patria o palabras de cariño al público que espera su trabajo. Todo adentro de un taxi en menos de hora y media sin ser propagandístico.

Es cine a un nivel muy superior al simple entretenimiento. Es defender la libre expresión. Es política. Es poder.

Es profundo y cada quién puede interpretar de distinto modo la complejidad de sus planteamientos. Sólo que debes saber de antemano el contexto de la obra en todo momento (y sentir simpatía por lo que superó). Si no lo sabes (ni conectas), probablemente te quedes muy decepcionado. Algunas conversaciones son divertidas y sus temas llegan a ser cercanos pero tener todo el tiempo a personas hablando sentadas frente a la cámara puede ser cansado y hasta aburrido. Esto está extremadamente lejos de ser una costosa producción estadounidense. Hasta el cine mexicano parece solvente en comparación.

Bajo esas restricciones, quien se eleva por encima de todo es la sobrina del director (quien recibió a nombre de Panahi el premio del Oso de Oro del Festival de Berlín del 2015 por este filme). Su presencia brinda el mejor rato de estos minutos y es fácilmente el acompañante más agradable y divertido.

Si se unen con ella a este paseo, preparen para deleitar a su conciencia o a su intelecto (aunque no a sus sentidos).

9.5/10


jueves, 18 de agosto de 2016

Reseña de Escuadrón Suicida (Suicide Squad)

Escuadrón Suicida Poster
Director: David Ayer
Actores: Will Smith, Margot Robbie, Viola Davis, Jared Leto
Duración: 123 minutos
País: Estados Unidos
Año: 2016

De forma sorprendente, una obra llena de múltiples fallas logró que la esperanza de DC cambiara del pecho de Superman a los tacones de Harley Quinn y resultar ser nuevamente un abismo entre los profesionales que proclaman el suicidio de la franquicia que intenta crear Warner Brothers y los simples mortales que acuden a las salas de cine.

Sí. Tiene un montón de cosas simplemente mal hechas: narrativa llena de huecos ilógicos, sobreexposición exagerada para personajes irrelevantes, un tercer acto implausible, motivos tardíos para el ensamble de una historia, villanos pobres y hasta una mínima búsqueda de empatía más allá que para fanáticos ansiosos y efectos especiales de segundo grado en ciertas escenas. Y aún así, me resultó divertida, con un tono y atmósfera adecuadas, con un inicio prometedor, algunas muy buenas actuaciones, por momentos, con la mano de un director de un sello adecuado y primordialmente, con varias personalidades muy por encima de otras dentro del soso mundo de los metahumanos.

Bueno pero para los no iniciados, ¿quién es Harley Quinn y quién la acompaña y por qué? Digamos que es la novia del Guasón (el principal enemigo de Batman). A ella se le unen otros enemigos de Batman o Flash. Tenemos también a Deadshot, experto asesino que domina las armas de fuego; Capitán Bumerang, diestro con... eh... bumerangs; Killer Croc, humano reptiloide de gran fuerza; Katana, letal espadachina con una arma que atrapa el alma de sus víctimas; El diablo, pandillero que puede generar fuego con sus manos; Slipknot, experto escalador (sí, así, nada más); y Enchantress, bruja de enorme poder. Los une la oficial del gobierno Amanda Waller y cuida que cumplan la misión el soldado Rick Flag. Son el Escuadrón Suicida porque se les encarga misiones donde probablemente mueran y porque si intentan escapar el gobierno detonará una bomba que les pusieron dentro de sus cuerpos. En esta ocasión, primero deben rescatar a una persona atrapada en una ciudad capturada por Enchantress y su hermano (en un punto, ella se va del equipo y convoca a su carnal), y después deben, por supuesto, eliminar a Enchantress y a su hermano.

Espero hayan entendido. Si parece algo confuso, en realidad es porque la obra lo es. Son demasiados personajes y no hay tiempo de empezar a quererlos o desarrollarlos lo suficiente. Unos sencillamente sobran. Slipknot bien pudo no estar y su papel acaba siendo risible (aunque entendible dentro de la estructura: lo usan para generar miedo al equipo). Capitán Bumerang es francamente pobre/débil, no obstante estar bien recreado por el actor Jai Courtney, Katana no hace ninguna acción sobresaliente y el hermano de Enchantress por momentos parece el principal villano y por momentos parece sacado de la manga (de hecho ni siquiera mencionan su nombre).

Tan extenso reparto primero debe ser introducido y en eso se gastan muchos minutos en la parte inicial. El único problema es que los juntan sin antes tener una buena razón para juntarlos. Están ahí por un posibilidad: Por el miedo de que en algún momento llegue un Superman malo y el gobierno no tenga a nadie con quien contrarrestarlo. Así que hasta alrededor de la tercera parte de la obra no hay ningún peligro o tensión.

Cuando llega el enemigo, este resulta demasiado poderoso. ¿Cómo es que "simples humanos" (Deadshot, Harley, Flag, etc.) pueden darle pelea a un monstruo que demostró que desde lejos puede deshacer armamento militar o parar un tren? ¿Una bomba es suficiente para hacerle frente? ¿Ante algo tan fuerte y amenazador por qué no aparecieron los superhéroes (Flash, Cyborg, Batman o Wonder Woman) en vez de un equipo de malos? ¿Enchantress debe lucir sexy y carnavalesca?

Como las anteriores, hay muchas otras preguntas que desafían a nuestra lógica y son muy evidentes (y cada quien bien podría tener las suyas), por ejemplo: ¿por qué se tarda El diablo en mostrar de lo que es capaz? ¿Por qué considera como su nueva familia al escuadrón? ¿Realmente todo siempre tiene que ser tan terrible y amenazador? ¿Por qué no saltó el Joker del helicóptero?

¡Oh sí! El Guasón aparece en el filme. Su papel creo que resulta controversial. En mi punto de vista, Jared Leto lo interpreta bien a su modo pero sin duda deja de lado la parte de payaso que tan bien hizo Jack Nicholson. Incluso Heath Ledger jugaba. Es demasiado serio sicótico y su forma de hablar no puede ser normal (lo acompaña con movimientos nerviosos faciales o físicos) supongo que porque piensa que el personaje está loco loco. Aún así, resulta un actor bien elegido para el papel y no lo hace mal. Algunos argumentan y creo que él mismo, que se podía hacer más con el Joker de lo que se hizo en pantalla. A mí me parece que la decisión de limitar su participación a pocas escenas fue adecuada. Sobre todo porque él no es ni de lejos fundamental para la trama o uno de los protagonistas (no va tras Enchantress ni pertenece al Escuadrón Suicida).

Otro polémico es el director, David Ayer. Okey, está reprobado como escritor (a él se le atribuye el guión) y su obra está deshilachadísima, pero da otro tono al género sin ser infantiloide como Deadpool y la atmósfera y ambientación de su mundo están perfectos. Su ritmo es sostenido y agradable, ilógico o incongruente o lo que quieran, pero sostenido, y las secuencias de acción donde no aparecen los villanos (y sus efectos especiales chafas especialmente molestos del final) también fueron muy disfrutables.

Los so-bre-sa-lien-tes de la película se llaman Will Smith y Margot Robbie. El morenazo hace tiempo que no daba un papel digno de superestrella y aquí nos acordamos de por qué hace algunos años era el rey de la taquilla. Su Deadshot tiene buenas líneas, actúa como líder del equipo, su caracterización es excelente, tiene un motivo creíble para ayudar al gobierno (busca beneficios para su hija y su relación con ella), intenta dar más profundidad al papel que le tocó y simplemente irradia star power y gusto de estar en su traje. La australiana hace un papel de figura de culto. Así de fácil. Su retrato de la novia del Guasón tiene asegurado el lugar de honor en Halloween, en convenciones de geeks, en la portada de revistas, cómics o en la memoria colectiva. Ella es Harley. Lo cuestionable es que tal vez sus comentarios suenan demasiado pensados, poco espontáneos, y que perdió el halo de ternura/dulzura que posee en las series animadas o en las historietas. Eso no es suficiente para dañarla. Es divertida, fuerte, decidida, enormemente atrayente e inolvidablemente sexy.

Harley Quinn Joker Alex Ross


Amanda Waller, Killer Croc y El Diablo también ayudan al equipo. La primera está a cargo de la dos veces nominada al Oscar, Viola Davis. Es despiadada. Le crees que ella puede mantener a raya a esos criminales. La escena donde dispara a sus ayudantes es su único pecado. El lagarto tiene poco que hacer con la actuación. Simplemente me divirtieron sus diálogos. El pirómano tiene un poder muy agradable a la vista, un pasado atrayente y una participación al final indispensable.

Es en esta última parte donde aparece lo que pudo ser y no fue. Mientras Enchantress usa su rayo destructor por el mundo, el Escuadrón se va a un bar a tomarse unos tragos y discutir si se enfrentan a ella o no. No se necesitan balazos interminables, amenazas extremas, ruido y explosiones para lograr la mejor escena de la película. Se pasan un ratito divertido entre tipos agradables. Lo logran ellos y lo logramos nosotros.

6.5/10




Antes de irnos. Algunos comentarios.

Creo que la banda sonora ayuda a la película. La parte instrumental y los canciones que eligieron. Las composiciones se usan moderada y adecuadamente y las rolas están bien escogidas, cubren una amplia gama de géneros y dan ritmo, ambiente. A veces muy evidente, sí, pero sólo si eres un veterano que sabe inglés y aún así, escuchar buenas canciones con bocinas grandes no cansa, ¿o sí? ¿Un niño o adolescente de América Latina levantará la ceja en, por ejemplo, el muy evidente guiño de House of The Rising Sun cuando se presenta a la prisión que se nos cuenta está en Luisiana? No lo creo.

Y hablando de niños. Me da la impresión de que por lo menos los chicos en México están "más curtidos" que en Estados Unidos. Constantemente leí o escuché como crítica a la película en medios gringos que no era divertida y que buscaba no ser para niños o que era muy violenta y no para llevar a los jovencitos. No he conocido a un sólo niño o joven que hable español al que no le haya gustado el filme y diga que fue terrible. Tal vez exagere pero creo que es muestra de que cada quien entiende distinto eso de "divertido". Yo me quedo mil veces con Killer Croc que con los tontos de Groot o Drax el Destructor.

Eso me lleva a la crítica especializada estadounidense. No hay forma de evadir que el filme tiene un montón de problemas y que posiblemente el estudio esté tomando decisiones que lastiman a sus propiedades, pero su producto te hace pasar un buen rato. ¿Simplemente odian lo obscuro? De ninguna forma merecería estar en la lista de lo peor del año ni es algo terrible (como de alguna forma parece que se creo el consenso alrededor de ella).

Bueno amigos, felices trazos... ¿o cómo era?

sábado, 14 de mayo de 2016

Reseña de Capitán América: Civil War (Captain America: Civil War)

Capitán América Civil War Divididos Caeremos
Directores: Anthony Russo, Joe Russo
Actores: Chris Evans, Robert Downey Jr., Sebastian Stan, Tom Holland
Duración: 147 minutos
País: Estados Unidos
Año: 2016

"Lo que tenemos aquí es falta de comunicación". Porque más allá de un muy agradable espectáculo visual y la aparición de dos personajes nuevos (uno muy esperado), no queda claro el subtexto de la obra, su posible mensaje (si es que pretendió tener alguno) o la necesidad de dividir a un equipo si no es que nada más para hacerlos pelear entre ellos y preparar en otra secuela, la reconciliación.

Para resumir, después de que los superhéroes han hecho de las suyas en varias películas, ahora, las Naciones Unidas los quieren institucionalizar y ya no los van a dejar actuar como ellos quieran mediante los "Acuerdos de Sokovia". Iron-Man apoya la idea porque siente culpa por haber creado al villano Ultrón y el Capitán América está en contra porque no confía en la política y en que le digan cuando actuar y contra qué o quién. Una discusión medianamente cerebral sobre el asunto se deja entrever hasta que el amigo del Capitán, el Soldado de Invierno, es incriminado por un ataque terrorista y el dueño del escudo con la estrella elige actuar por su cuenta y arrestar él mismo a su viejo conocido.

"Mira a tus hombres jóvenes peleando"

Eso marca el fin de cualquier mensaje o intento de exposición de alguna idea. Lo demás son secuencias de acción entretenidas y bien hechas (como constantemente sabe hacer Marvel), la llegada de Black Panther y de Spider-Man y la revelación, suficientemente creíble y trágica, que causará la ruptura definitiva entre los dos capitanes de cada bando. Estas tres cosas fueron muy agradables de ver: La pelea principal que el título promete se lleva a cabo en un aeropuerto entre doce peleadores y en ella brillaron Ant-Man, el Capitán y Peter Parker y fue muy divertida y de duración adecuada; conocí a Black Panther gracilmente y la llegada del Hombre Araña es la mejor cosa que le pudo pasar a la película y al Universo Marvel (aunque la juventud de esa tía May luce poco creíble); y además, la revelación del compló (otra vez el Sr. López estaría orgulloso) llevado a cabo por el villano da pie a la mejor pelea que ha aparecido del otro lado de DC al involucrar a la mamá de un personaje: ¡Eso sí calienta!

No obstante, el Capitán América se ha caracterizado por ser un "bien portado" extremo y me pareció un poco inverosímil que defendiera tanto a el Soldado de Invierno, Tony Stark se amargó demasiado en esta ocasión (me pareció incluso más serio que Batman en su reciente enfrentamiento contra Superman) y llega a ser un personaje ingenuo y demasiado arrogante y, lo repetiré: por más entretenida y bien hecha que esté la película, se siente muy vacía y carente de intelecto. Pero ¿a quién engaño? "Mis manos están atadadas. Los billones cambian de Marvel a DC y las guerras seguirán..." Y yo estaré ahí, en Infinity War Parte 1, para ver como Thanos reúne a los enemistados amigos y así y así hasta que... "Mire a los líderes que hemos seguido, mire a las mentiras que hemos tragado".

7.5/10



jueves, 31 de marzo de 2016

Reseña de Batman vs Superman: El Origen de la Justicia (Batman v Superman: Dawn Of Justice)

Batman vs Superman Poster
Director: Zack Snyder
Actores: Ben Affleck, Henry Cavill, Gal Gadot, Jesse Eisenberg, Jeremy Irons, Amy Adams
Duración: 151 minutos
País: Estados Unidos
Año: 2016

Todo apuntaba a que sería un estrepitoso fracaso e injusto tratamiento de dioses entre nosotros ¡pero no lo fue! Para mi alivio y grata sorpresa, el Hijo de Kryptón y el Murciélago de Gotham fueron demasiado poderosos para caer derrotados ante juicios demasiado quisquillosos, confirman ser la pareja más atrayente de superhéroes que hay, divierten aún con su tono oscuro, introducen a varios personajes muy agradables y mantienen la "s"... aunque estuvieron demasiado cerca del día de su perdición.

Varios proclaman que de hecho acabó en la ruina, yo trataré de defenderla. Su mayor problema, sin duda, es que quiere ser y hacer demasiadas cosas a la vez y no se enfoca en lo que su título promete, si así lo hubiera hecho, me parece que hubiese sido una de las mejores películas de su género.

El inicio del relato nos sitúa, de nuevo, en el momento en que Batman nace, osea, con la muerte de los padres de Bruno Díaz y honestamente, pensé que estaba de más poner otra vez este hecho varias veces representado, pero conforme avanza la película dicha decisión tiene lógica y me atrevería a decirlo: cierta belleza (por el uso del nombre de la madre de Bats y el astuto eco de la imagen de un funeral). Después, pasamos a un maduro Hombre Murciélago que, tras presenciar la pelea de Sups contra el General Zod, cree que hay que pensar en una forma de contener a alguien tan poderoso; a su vez, el hombre de la capa roja cree que el vigilante de Ciudad Gótica debe ser detenido, pues no le parecen correctos los métodos que usa para aplicar la justicia. Mientras tanto en Metrópolis, Lex Luthor descubre un mineral que demostró ser capaz de herir a los kryptonianos (posteriormente también lo querrá Díaz), negocia con políticos acceso a la nave alienígena y al cuerpo de Zod para realizar experimentos con éste y maquila un compló que el mismísimo Pejelagarto alabaría. En Washington, senadores pretenden llevar a comparecer al alienígena que puede quemar todo el lugar si así lo desea y entre tanto, la misteriosa conocedora de antigüedades, Diana Prince, le roba al mismísimo Bruce Wayne información que éste había obtenido de la guarida de Luthor.

¡Uf! ¿Aún me siguen? Mezclado entre eso, hay temas como la Justicia, el Poder, la Divinidad o incluso el papel de los humanos en el universo (mini argumentado por Neil deGrasse Tyson gracias a una más que agradable decisión). Como ven, ya hay mucho que desarrollar y completar como para avorazarse aún más. Bueno, pues lo que a mi gusto es la fuente de tantas malas críticas a la película es que además de eso meten sueños proféticos a Batman que no se entienden del todo y que están ahí para prologar futuras películas que habrían quedado mejor como escenas postcréditos y sobre todo, al final, meten al enemigo que más a hecho sufrir a Superman: a Doomsday. Quien logra un cierre digno de cambiarle el nombre al filme. Es demasiado y nada acaba por madurar como debería. No obstante es entendible (desde un punto de vista comercial) porqué es que metieron al monstruo final con forzado calzador: a) Para que la Mujer Maravilla mostrara músculo, b) para que el mundo terminara por aceptar a Superman como su protector y c) como pretexto para reunir a los otros superhombres. Pero estos tres últimos puntos ayudan a la siguiente película, no a ésta.

¿Es lo anterior suficiente para calificar a la obra como mala? Yo digo que no. Y no es suficiente porque aún así, me divertí con el combate entre los dos personajes más famosos del mundo del cómic, disfruté mucho del maquiavélico plan de Lex Luthor (indispensable para que Superman accediera a pelear contra un humano), me gustaron prácticamente todas las demás escenas de acción y conocí a la Princesa que le faltaba al castillo de estos largometrajes: Gal Gadot está excelente en el papel de la Mujer Maravilla y parece que viene con todo para retomar su lugar como la reina de las historietas.

No es la única que sorprende. Jeremy Irons interpreta un excelente Alfred que se distingue de sus versiones anteriores al ser una creíble fuerza que ayuda en la lucha contra el crimen (no solamente un fiel mayordomo) y Jesse Eisenberg es un Luthor que, con todo y tal vez demasiados tics, me divirtió y convenció como joven genio megalómano. Con breves participaciones, pero también agradables actuaciones, Amy Adams como Luisa Lane, Diana Lane como Martha Kent, Laurence Fishburne como Perry White o Kevin Costner (!) como Jonathan Kent. No debo dejar de mencionar a Ben Affleck, quien fue más que cuestionado cuando se anunció que sería el nuevo Caballero de la Noche pero quien se adueña del papel con gran solvencia, incluso demostrando buen físico. Un Batman más agresivo, algo amargado, más desconfiado que nunca y atrayente como siempre. ¡A quien le falta mejor tratamiento de parte del director es a Superman! Henry Cavill hace lo que puede y no lo hace mal pero a su personaje le falta aligerarse y confirmarse como esa fuente de esperanza, valor y virtud que puede llegar a ser.

Una crítica que he leído constantemente es que al filme le falta humor o "ser divertido". Es cierto que tiene un halo tal vez demasiado serio pero constantemente encontré diálogos divertidos en Alfred, en Luthor o en Perry White donde me reí e incluso agradezco que no tenga bufonadas estilo Deadpool o un tono infantil de corte Guardianes de la Galaxia. Agradezco todavía más que intente hablar sobre los ya citados temas de Justicia o Divinidad y que aspire a un relato de más de dos horas aunque no sea completamente exitoso en el intento. Una obra con aspiraciones a profundidad siempre me divertirá más que los muchas veces simples esfuerzos de parte de la empresa de Mickey Mouse.

¡La capa roja ha llegado!... y la capa negra y el lazo... y próximamente el tridente y el rayo y el anillo verde y...

7.5/10


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miércoles, 24 de febrero de 2016

Reseña de Deadpool

Deadpool Poster Español
Director: Tim Miller
Actores: Ryan Reynolds, Morena Baccarin, Ed Skrein
Duración: 108 minutos
País: Estados Unidos
Año: 2016

El tipo no es X, debo aceptarlo, pero la que parecía ser la historia que llevaría a otro nivel las películas de superhéroes se le olvidó lo más importante y se conformó adorando a su protagonista y su clasificación "sólo para adultos" (por lo menos en Estados Unidos. ¿Por qué no se la dieron en México? Mmm ¿Por qué? -_- Aunque gracias a eso espero anécdotas hilarantes de padres perdidos que llevaron a sus jóvenes hijos a verla).

Y es que gran parte de la expectativa es que el personaje es un verdadero antihéroe: es violento, dice groserías, le gustan mucho las referencias sexuales, usa armas y aplica SU justicia sobre los malos. En pocas palabras, todo lo contrario al buen portado del Capitán América. OK, concuerdo que a muchas de estas obras les "falta maldad" pero a veces parece que quiere alejarse de los cánones conocidos sólo para decir que los pasó y por instantes es como si fuese una obra hecha por adolescentes... (aunque supongo que sabe que son su demografía principal y el éxito que ha tenido lamentablemente podría marcar tendencia. Ya imagino a un productor diciendo: "No, no. Necesitamos algo asqueroso, violento y grosero como Deadpool") Por ejemplo: una abuelita ciega cocainómana imperturbable al tener a un compañero de cuarto que se masturba con sandalias o sodomía o un chicle pegado a la cámara de cine o un protagonista asesino sin código moral que debemos querer porque es "bien divertido".

Lamentablemente sus chiquilladas no son su único problema pues el relato principal es bastante simple: secuencia de acción inicial larga, flashback para el enamoramiento y nacimiento del héroe, búsqueda del villano, pelea final. ¿Por qué tan sencilla y corta? Probablemente porque un personaje unidimensional no da para incluir subtexto, porque era una nueva franquicia que no gozó de mucho presupuesto y porque estar más de hora y media con el protagonista nos hubiera cansado.

Bueno pero aunque es simple e infantiloide, me divertí con ella. Me gustó la forma en que el director ensambla la secuencia inicial, la interacción de Deadpool con Coloso y Negasonic Teenage Warhead (¡¿Sinead O' Connor?!) y cierto taxista que sale en algunas escenas. Sin olvidar el buen trabajo de Ryan Reynolds, quien se redime en el género después de haber hecho "Linterna Verde" (yo digo que es mala pero no terrible) con la prodigiosa rapidez de su lengua y la fanfarronería que proyecta en el personaje incluso cuando trae puesto el traje (¡que no es animado!).

No, no trajo una revolución argumental, ni mucha profundidad o más de dos alumnos de la Academia de Charles Xavier, pero tiene algo que tal vez nunca jamás veamos en su contraparte manejada por Disney (él pertenece a Fox): ¡boooooooobiiiiiieeeeeeeeeeeeessss! Démosle la bienvenida.

6.5/10


martes, 9 de febrero de 2016

Reseña de En Primera Plana (Spotlight)

En Primera Plana Poster
Director: Tom McCarthy
Actores: Mark Ruffalo, Michael Keaton, Rachel McAdams
Duración: 128 minutos
País: Estados Unidos
Año: 2015

Se requieren exhaustivas horas de investigación, entrevistar a los posibles protagonistas, organizar la información, elegir los casos representativos, tener al equipo adecuado, rechecar los datos, ordenar todo de nuevo, sentarse a hacerlo y editarlo para que quede listo. Ese fue el trabajo que esta película hace y ese fue el trabajo que hicieron los que aparecen en ella. Un depurado relato de cómo fue que un periódico en Estados Unidos destapó hechos de pederastia de decenas de sacerdotes, la complicidad de la Iglesia y el trabajo de abogados para ocultar los hechos.

Lo publicó The Boston Globe en el 2001. La investigación corrió a cargo del equipo conocido como Spotlight. Un grupo de cinco reporteros que empezó cubriendo una severa e inverosímil acusación de un abogado hacia el cardenal local y terminó descubriendo un escándalo de proporciones globales. Vemos como buscan entrevistas de encubridores, víctimas o perpetradores; como descubren perturbadores patrones; como una cosa los lleva a otra o como de pronto descubren nuevas pistas o un hecho del pasado que habían pasado por alto aclara algo en el presente. Ponen el dedo en la llaga. No se conforman. Sienten que hay aún algo más y siguen y siguen. Antes de imprimir la historia, checan y rechecan sus datos, no dejan cabo suelto. Es un excelente filme sobre el periodismo. Aunque también parece thriller y tiene cierto aire de documental. Un montón de tipos hablando y buscando en libros asombra y nos pone de su lado.

Signo de un gran trabajo en la zona de realización. Para empezar, al escribir un buen guión, ya que además del enorme esfuerzo de poner los hechos claros, da personajes definidos, escenas pequeñas que dicen mucho y diálogos vertiginosos. Indispensable, el editor, Tom McArdle, a quien yo creo que deben dar el Oscar en la categoría pues además de que hizo una película comprensible, le salió una entretenida y de buen ritmo. Todo el elenco es bueno, en especial Michael Keaton y Rachel McAdams. El primero, el seguro líder del grupo lleno de experiencia que sabe que hacer que además acepta haber cometido un grave error en el pasado y quien más resistencia exterior enfrenta y la segunda, una bella reportera que tiene conflictivas razones personales al hacer su chamba. A su lado está Mark Ruffalo y no lo hace nada mal, pero yo lo sentí algo forzado en su interpretación física (tal vez el reportero al que interpreta en la vida real actúa de esa forma... sólo que ese fuera el caso). Y para que todas las piezas encajen, está la gran dirección de Tom McCarthy (quién no hace mucho hizo una horrible [dicen] película con Adam Sandler [una que se llama The Cobbler], ¡vaya cambio de registro!).

No obstante, para mí hay un "peeeeeeeroooooo". Y es el de que la parte visual del largometraje es muy pobre  (las escenas con las víctimas o una secuencia que usa "Silent Night" son de las excepciones). Se sostiene por una enorme cantidad de diálogos y por instantes es tanta información y son tantos personajes, que te pierde. Además de que el tema es difícil de adorar o hacer que te emociones. Aún así, merece estar en la primera plana.

8.5/10



viernes, 5 de febrero de 2016

Reseña de Revenant: El Renacido (The Revenant)

El Renacido Poster
Director: Alejandro González Iñárritu
Actores: Leonardo DiCaprio, Tom Hardy, Domhall Gleeson, Will Poulter
Duración: 156 minutos
País: Estados Unidos
Año: 2015

Ellos lo abandonaron. Fue en 1823. Por donde hoy es Dakota del Sur, en Estados Unidos. Sí. Pasó. Pero el tipo no murió. Así que buscó tomar venganza sobre quienes lo dejaron. Así pasó. Entonces su historia se hizo famosa y llegó hasta un director mexicano que decidió usarla para una película. Y esta obtuvo 12 nominaciones a los premios Oscar. Y todas y cada una de las jodidas nominaciones fueron merecidas. ¿Será "mejor película"? Me gustaría que eso pasara también.

Creo que se lo merece. Además, se distingue entre sus principales rivales en que usa el componente visual del cine mejor que ellas (Spotlight y The Big Short son buenas, pero se apoyan mucho en diálogos y son tipos trajeados en oficinas). También me gusta que exige cosas de ti. Esta no es una historia diseñada para hacerte feliz o un largometraje fácil de ver o querer. He aquí lo contrario a "un final feliz"; he aquí, más de dos horas y media para aquellos que no pueden poner atención, además, con un montón de violencia y sangre, pero también, he aquí la muestra de un enorme espíritu humano (esta vez el director no exagera en su apreciación), sentimientos que son parte de nosotros aunque muchas veces lo queramos negar (odio, furia, revancha o desprecio), colonialismo, sublime naturaleza que maltrata al hombre y una maestría en la técnica cinematográfica extraordinaria.

Bien, pero, ¿de que va? No de mucho, realmente. Hugh Glass (Leonardo DiCaprio), trampero y explorador, está en mil ochocientos veintitantos con otros hombres y con su hijo pawnee llamado Hawk cerca del río Misuri cazando animales cuando de pronto son emboscados por indios arikaras, al huir de los nativos por el bosque, el protagonista es horriblemente atacado por un oso grizzly. Está casi muerto, no obstante, el capitán, Andrew Henry (Domhall Gleeson), ordena que sus hombres lo carguen de regreso a la base. Lo hacen hasta que llegan a un terreno empinado donde no pueden transportarlo más. Deciden dejarlo acompañado de Hawk, de otro joven del grupo, Jim Bridger (Will Pulter), y del ex militar John Fitzgerald (Tom Hardy), con quien antes Glass había tenido severas fricciones y quien sólo está ahí por la recompensa que le ofrecieron por quedarse y porque cree que pronto lo va a poder enterrar. Sólo que pasan los días y el explorador no se muere, así que Fitz mata al vástago y engaña a Bridger para abandonar a Hugh a una muerte segura. Por supuesto, no lo hace y todo lo que resta del filme es la increíble supervivencia de ese hombre y su búsqueda hasta encontrar la venganza.

Eso es lo más criticable de la obra, su historia delgada que no tiene mayor sorpresa con un protagonista que tiene sólo una cosa en mente y que además es difícil de querer, ¿van a empatizar con un asesino sucio e implacable que casi no habla? Probablemente no, pero sí podemos admirar la forma en que plasman todo lo que sobrevive. Empezando con la emboscada arikara. Una secuencia relativamente larga, cruda y estupendamente coreografiada en donde la cámara pivotea, sigue, se aleja y regresa a personajes en medio de un montón de árboles, a través de estructuras o arriba de un río mientras las flechas vuelan y las balas se disparan. Excitante inicio. También memorable, el ataque del oso. Hubo bromas donde se llegó a especular que el oso violaba al pobre de Leo o donde se dijo que este pariente de Winnie Pooh sería el ganador del premio de la Academia, jaja, pero la secuencia no es nada graciosa, es bru-tal. "Pobre güey", neta. Nunca dudé que era un animal real quien atacaba al actor. Y después, nos muestran las espantosas heridas que dejó la pelea y como las cosen. "¡Guáaaaaacalaa!" ¡Pero se ve muy bien! :)


Ejem, esas escenas tal vez sean las que más dejan huella, pero hay muchas otras muy padres. En una, hombres iluminan el bosque con antorchas, en otra, un hombre indefenso no puede impedir un asesinato y sus gruñidos y sus ojos son la viva imagen de la ira y la impotencia, en aquella, se usa al cuerpo muerto de un caballo como refugio, en esa de allá, el río arrastra a alguien y no lo mata de milagro. En muchas otras, están los copos de nieve, montañas, el sol atravesando el bosque o chispas de fogatas elevándose al cielo. Y todas ellas son mejor verlas que leerlas o escribirlas.

Lo anterior podría llegar a ser un poco excesivo a algunas personas ya que hay muchas imágenes de la naturaleza que se repiten y tal vez si las hubiesen quitado, se hubiese agregado rapidez al relato y menos tiempo final. Además de estas, hay visiones del protagonista sobre su esposa muerta o sobre la religión o animales muertos. Para mí, sí agregan cierto halo de espiritualidad, no obstante, dudo que sean universalmente efectivas.

Mientras tanto, quienes deben de estar pidiendo un boicot no son Will Smith y su esposa, son los cinematógrafos rivales de "El Chivo" Lubezki porque todo parece indicar que va a ganar otro Oscar a "Mejor Cinematografía" por tercer año consecutivo. La película se ve superwow y no parece haber encuadre o movimiento de cámara imposible, además, se decidió filmar toda la película utilizando solamente la luz natural que había disponible y eso ayudó (creo) a plasmar algo todavía más vivo y real.

¿DiCaprio va a ganar por fin el premio de mejor actor? Yo creo que sí. Aunque gran parte del largometraje su personaje no pueda hablar, con sus gruñidos o su mirada se da a entender, y además, su trabajo requirió de un enorme esfuerzo físico: frío (¿hipotermia?), comer cosas asquerosas, hacer cosas asquerosas u horas de maquillaje; sin olvidar que demuestra con gran solvencia diversos sentimientos extremos (aunque honestamente, al principio yo pensé que nada más quería salvarse, la locura de su venganza se me perdió mucho tiempo). Si bien, hay que comentar que sobre el personaje principal hay otra crítica: le pasan demasiadas cosas malas, algunas, muy extremas. Sencillamente, se debería haber muerto. Yo estaba demasiado encantado viendo lo que veía para que eso me importara, la verdad.

Tom Hardy es el coprotagonista. Es el villano. También lo hace bastante bien. Es totalmente creíble plasmando a alguien despiadado y aún con un montón de capas de ropa encima físicamente es amenazante, sin embargo, por momentos cuesta entender sus palabras (aunque esto a nosotros no nos afecta gracias a los subtítulos, ¡ja!). Otro participante destacado es el sonido. El viento que derriba árboles o el rugido del agua o las detonaciones de armas o una osa enojada o una simple respiración ayudan a la atmósfera y cuando se mezclan con otros sonidos y gritos o diálogos, siempre son claros y absorbentes, además, pude apreciar una mezcla de sonido envolvente incluso por encima de lanzamientos veraniegos. Asimismo, la banda sonora acompaña bien a los paisajes o a las personas.

Con todo y su protagonista superhombre que se cura y sobrevive a cosas de forma improbable y su poca profundidad temática, prefiero la belleza sangrienta de la venganza de Hugh Glass sobre oficinistas en el mundo moderno.

9.0/10



sábado, 30 de enero de 2016

Reseña Videografía de Björk

Este es un nuevo tipo de entrada en mi blog que no creo llegue a ser muy común pero que fue muy interesante y divertida de crear.

Hace algunos días, más bien por razones lúdicas, estrené mi canal de videos en YouTube y descubrí con gran placer la función de crear playlists; a la par y sin quererlo, al agregar las canciones que me gustan, me di cuenta de que hay algunos músicos que han creado grandiosos videos musicales a través de su carrera, así que la idea de hablar de su trabajo desde la perspectiva visual me sedujo y también me pareció necesario.

Me gustaría iniciar esta serie con Björk, quien a mi juicio tiene el segundo lugar en el ranking de artistas con mejores videos (es incluso mejor que Michael Jackson y solamente es superada por Madonna).
  • Nota: Para ver el porqué de mi atrevida proposición, vean la antología que usé (y cree) como inspiración para hacer este artículo dando clic en el siguiente vínculo: Videografía Björk en YouTube.
All Is Full Of Love

Una breve introducción. Según Wikipedia: "Björk es una cantautora, multiinstrumentista, compositora y productora islandesa", yo les digo que publicó su primer disco a los once años, después estuvo en una banda llamada The Sugarcubes y posteriormente continuó como solista (me enfocaré en esta etapa). Dicho periodo inició en 1993 y en él ha lanzado 8 discos de estudio y ha realizado algo más de 40 videos (según mis cálculos).

Lo  notable es que tiene un montón que son increíbles, en especial los que hizo entre su segundo disco, Post (1995), y su cuarto, Vespertine (2001), aunque fuera de esta etapa también tiene cortes excelentes.

Para mí, el mejor de todos es All Is Full Of Love, una soberbia conjunción de canción e imagen que no ha envejecido un ápice y que simplemente es hermoso; magnífico también Pagan Poetry por su erótica belleza, atrevimiento y pureza o It's Oh So Quiet por el excelente ensamble entre ritmo y coreografías. Human Behaviour o Army Of Me en su momento parecían "raros" pero en retrospectiva, lucen afortunadamente mesurados, al igual que Wanderlust. I Miss You no se parece a ningún otro video de animación en 2D, Hyperballad parece fácil pero no lo es y sus imágenes digitales se unen muy bien a la música electrónica, Jóga tiene de los mejores paisajes unidos al ritmo de una canción y Hunter o Hidden Place hacen de los usos más sobresalientes del rostro humano que se puedan encontrar. Últimamente no hay tantos clásicos, sin embargo, Mutual Core destaca al haber sido comisionado por el Museo de Arte Contemporaneo de Los Ángeles y tener, al igual que varios videoclips en la carrera de la artista, las mejores técnicas y la mejor tecnología con una idea de fondo (la geología de la tierra es una metáfora de las relaciones humanas).


Big Time Sensuality luce sencillo en comparación y aún así contrasta de gran manera el gris tráfico de la ciudad con la diversión de la canción, Possibly Maybe goza de colores fosforescentes que lucen muy bien, Bachelorette es una historia bien contada con una notable dirección que va replicando su relato a escala cada vez más pequeña, y el esfuerzo por combinar tecnología de punta con música se renueva en las aplicaciones que acompañan a todo el disco de Biophilia (2011), de donde sale el video de Moon o el de Hollow, en el cual se representan en tercera dimensión las moléculas que están dentro del cuerpo de la artista.


A veces un WTF!? (Triumph Of A Heart, Where Is The Line) o un "meh" (Nature Is Ancient, Who Is It, Earth Intruders) aparece, pero en general son, simplemente, algo que hay que ver.